FRIEDREICH & I: CUANDO EL MONSTRUO NO ES IMAGINARIO (Y TIENE MUCHO QUE CONTAR)
Una historia que empieza con juegos… y termina con un diagnóstico
María tiene un amigo peludo, grande y curioso al que llama Fried. Podría parecer uno de esos compañeros imaginarios que todos tuvimos de pequeños… pero este tiene nombre y apellido: ataxia de Friedreich. La campaña Friedreich & I, creada por VML The Cocktail para Biogen, transforma esta enfermedad rara en una historia visualmente potente y emocionalmente sincera.
Dirigido por Pablo Arrebay producido por La Boutique77, el spot te lleva de la mano por el mundo de María con una estética suave, casi de cuento. El color grading acompaña la pieza con sutileza: tonos cálidos y dulces al principio, que se enfrían a medida que descubrimos la cara real del “monstruo”. Un giro que se siente, pero no grita.
Cuando una campaña va más allá del vídeo
El proyecto no se queda solo en el spot. Hay un peluche (sí, de Fried), un libro infantil ilustrado y materiales educativos para ayudar a familias y docentes a identificar la enfermedad a tiempo. Una campaña pensada con mimo, que además ha sido reconocida en festivales como Clio Health o D&AD.
Lo mejor: pone nombre y cara a algo que suele pasar desapercibido, dándole visibilidad a una condición que afecta a más niños de los que imaginamos.
¿Tu proyecto también tiene una historia potente detrás?
En Gradepunk sabemos cómo darle el color justo, el tono exacto y la emoción necesaria. Si tienes algo grande entre manos, nos encantará ayudarte a contarlo como se merece.
¡Nos vemos en las salas!
THE (OTHER) 700 CLUB: UNA REFLEXIÓN SOBRE EL TRABAJO EN LA SOCIEDAD ACTUAL
«The (OTHER) 700 Club», un documental dirigido por Juan Blanco García, nos sumerge en la realidad cotidiana de un grupo de repartidores en Brooklyn, Nueva York. A través de una narrativa poética y reflexiva, la película explora las experiencias, creencias y motivaciones de estos trabajadores mientras se enfrentan a las exigencias del sistema capitalista.
En la intersección de Broadway y Thornton Street, se forma una comunidad no oficial donde los repartidores se reúnen entre encargos para compartir un breve descanso. La película nos abre las puertas a este microcosmos, permitiéndonos escuchar sus conversaciones y observar sus interacciones.
Lo visual en THE (OTHER) 700 CLUB
La fotografía de Carlos Cuenca es una parte esencial de la película, y se nota en cada plano. Sus imágenes son luminosas y llenas de vida. Además, sus encuadres son dinámicos y llenos de energía. La cámara nunca se queda quieta, lo que refleja el ritmo frenético de la vida de los repartidores. Este cortometraje está lleno de colores vibrantes, que dan vida a la ciudad de Nueva York y a sus habitantes. No es solo una cuestión de estética, sino también de significado. Los colores ayudan a crear una atmósfera vibrante y atractiva que te envuelve y te transporta a la historia.
En definitiva, la fotografía de «The (OTHER) 700 Club» es un elemento esencial que contribuye a crear una experiencia visual única e inolvidable para el espectador.
Mucho pero que mucho reconocimiento
«The (OTHER) 700 Club» ha sido reconocido en diversos festivales de cine internacionales, incluyendo el Festival Internacional de Cine de San Luis, DOC NYC, y el Festival Internacional de Cine de Tirana. Entre sus premios más destacados se encuentran el Premio al Mejor Cortometraje Documental en el IBIZACINEFEST y el Premio a la Mejor Cinematografía en el Centre Film Festival.
Este documental no solo nos ofrece una mirada íntima a la vida de los repartidores, sino que también nos invita a reflexionar sobre la naturaleza del trabajo en la sociedad actual. Una obra poética y necesaria que nos recuerda la importancia de la solidaridad y la lucha por un futuro más justo.
¡Nos vemos en las salas!
IKEA “PROUDLY SECOND BEST”: UNA CAMPAÑA PREMIADA QUE CELEBRA LA VIDA FAMILIAR
¿Quién dijo que ser el segundo es malo? La campaña de Al-Futtaim Ikea en colaboración con DAVID Madrid y INGO Hamburg ha llegado pisando fuerte metiéndose al público y a la crítica en el bolsillo con una propuesta honesta y realista que se aleja de la perfección inalcanzable que a menudo se muestra en la publicidad, mostrando el papel que Ikea cumple en la vida cotidiana del hogar a través de una propuesta llena de autenticidad y sensibilidad.
El concepto detrás de «Proudly Second Best»
La esencia de la campaña no va de ser la primera opción en la vida de los más peques de la casa pues, sus padres, abuelos y seres queridos siempre serán los primeros. Sin embargo, Ikea se enorgullece de ser el «segundo mejor» a través de la idea de que sus productos facilitan y enriquecen la vida familiar, creando un ambiente donde las conexiones y los momentos importantes entre padres e hijos tienen lugar.
El plato fuerte de la campaña es su mensaje. Al reconocer que los muebles no son el centro de la vida familiar, Ikea humaniza su marca y se conecta con los consumidores a un nivel más profundo. La campaña transmite la idea de que Ikea entiende y respeta el valor de las relaciones humanas y los momentos compartidos, posicionando sus productos como facilitadores de esas situaciones.
Ejecución de la campaña
La campaña se lanzó a lo grande: anuncios de televisión, redes sociales y contenido digital. Todo mostrando escenas cotidianas en hogares reales, con niños jugando, comiendo y aprendiendo, rodeados de productos de Ikea que facilitan estas actividades como la trona “Antilop”, el taburete “Bolmen” o la cuna “Smagöra”, que los niños dejan de lado a favor de la compañía de sus padres. Las historias presentadas son entrañables y realistas, destacando la importancia de los muebles que se integran perfectamente en la vida familiar sin tratar de robar el protagonismo.
El proceso de color
El proceso de color fue bastante sencillo, ya que desde dirección y agencia se buscaba la naturalidad tanto de los productos como de las acciones. Un look especial con las luces altas muy limpias intentando no generar dominantes para poder resaltar el blanco tan especial de Ikea y sus productos.
Como casi siempre fue un trabajo en equipo que es como mejor resultados se generan. El color fue planteado desde rodaje por medio de la directora Michelle Casis y en la fotografía de Andy Pulido y luego trabajado en sala con las agencias implicadas DAVID Madrid y INGO Hamburg.
Impacto y recepción: arrasando en festivales
La campaña ha sido un éxito rotundo. Los consumidores y críticos han elogiado a Ikea por su enfoque honesto y auténtico, un soplo de aire fresco en un mundo publicitario saturado de perfección y aspiraciones irreales, motivo por el que ha sido reconocida ampliamente en la industria publicitaria, obteniendo numerosos premios.
En los premios Cannes Lions de 2023, la campaña ganó varios galardones, incluyendo un oro en la categoría de Film, y múltiples platas en las categorías de Film, Print & Publishing, y Outdoor. En los London International Awards (LIA) de 2023, la campaña obtuvo un Oro en TV/Cinema y varias platas en Online Film, Print, Billboard y Poster. Además, «Proudly Second Best» fue galardonada en El Sol 2023 con el Grand Prix en Print & Publishing y un oro en la misma categoría. En este 2024 la campaña se ha llevado también el oro en la categoría de Out of Home en el One Show y en la categoría Print de los Clio Awards.
De esta forma, «Proudly Second Best» se consagra como algo más que una campaña publicitaria: una declaración de principios sobre lo que realmente importa en la vida familiar. En Gradepunk estamos más que orgullosos de haber podido poner nuestro granito de color a una propuesta tan única.
UN VIAJE INFINITO: LA LUCHA CONTRA EL CAMBIO CLIMÁTICO
El documental «Un Viaje Infinito», presentado por ACCIONA y Homeward Bound y producido por Tsunami Film House, narra la experiencia de 188 mujeres de 25 países que viajaron a la Antártida en 2023 con un objetivo común: luchar contra el cambio climático. La cinta, de unos 40 minutos de duración, combina imágenes impactantes del continente blanco con entrevistas a las participantes, quienes comparten sus experiencias, desafíos y descubrimientos en áreas como las energías renovables, la inteligencia artificial, la conservación de los océanos y el liderazgo femenino.
Nuestra aportación a UN VIAJE INFINITO
El color del documental juega un papel fundamental en la creación de una atmósfera que envuelve al espectador y lo transporta a la Antártida. Los colores fríos y tenues predominan en las escenas que muestran la vastedad del continente helado, transmitiendo una sensación de paz y a la vez de inmensidad. En contraste, las escenas que narran la experiencia de las mujeres en el barco y en sus actividades científicas se caracterizan por laintensidad del rojo y una temperatura un poco más cálida, que reflejan la energía y el entusiasmo de las participantes.
En Gradepunk estamos muy orgullosos de haber podido trabajar mano a mano con Juan Gama de Cossío, director de la pieza. Gracias a él hemos podido aportar un toque visual naturalista pero expresivo, aportando realismo y emoción a cada escena.
Por qué es un documental tan necesario
«Un Viaje Infinito» es un documental inspirador que no solo destaca la importancia de la lucha contra el cambio climático, sino que también pone de relieve el papel fundamental que las mujeres pueden y deben jugar en este desafío global. El documental es una herramienta valiosa para educar e inspirar a las nuevas generaciones, especialmente a las niñas y jóvenes, para que se interesen por las áreas STEMM y se conviertan en agentes de cambio.
«Un Viaje Infinito» es más que un documental, es un legado para el futuro. Es un testimonio del poder de la colaboración y la acción colectiva para hacer frente a los grandes retos de la humanidad. El documental es una invitación a la reflexión y a la acción, un llamado a unirnos en la lucha por un planeta más sostenible y equitativo.
¡Nos vemos en las salas!
MAPA A PANDATARIA: DANZA Y ESPECTÁCULO
En Gradepunk estamos encantados de haber podido participar y contribuir al proyecto documental «Mapa a Pandataria», una emocionante producción de CaixaForum+, Cultura Inquieta, Los Dedae y Cayetana Guillen Cuervo. Este documental original, que se ha estrenado en exclusiva el 1 de febrero, sigue el proceso creativo y los desafíos de la compañía de danza independiente «Los Dedae» mientras se enfrentan al monumental reto de estrenar su espectáculo «Pandataria» en el teatro romano de Mérida.
Detras de las cámaras: una cárcel en forma de isla convertida en diversidad y feminismo.
La isla de Pandataria, situada en el archipiélago de las Pontinas en el mar Tirreno, es el escenario histórico de destierros y encarcelamientos, y ahora se convierte en la inspiración para una obra que reivindica la diversidad y el feminismo. El documental narra la odisea de la compañía liderada por los destacados protagonistas Cayetana Guillén-Cuervo, Chevi Muraday y Elio Toffana, bajo la dirección y coreografía de Muraday.
Javi Clarkedirigiendo este documental promete ofrecer una mirada íntima y emocional al proceso creativo, mostrando los obstáculos y momentos de superación de la compañía. Trabajo que se ve realzado por la iluminación teatral de Nicolas Fischtel y la eficaz edición de Sara G.F. Muriel, Carlo Alonso y Aitor Carballo.
Nuestro granito de arena en MAPA A PANDATARIA.
Estamos muy orgullosos de haber aportado el toque visual distintivo al proyecto trabajando codo a codo junto a David Palacios, director de fotografía de la pieza, y Javi Clarke, director de “Mapa a Pandataria”. Gracias a ellos hemos podido experimentar con el color y las texturas para añadir profundidad y emoción a cada escena, algo que aquí nos gusta mucho.
En cuanto al color, optamos por una paleta de colores vivos y resonantes para dar vida a la narrativa. Los rojos intensos y profundos se convierten en emociones palpables, inyectando vitalidad y energía en cada escena. Asimismo los juegos de luces y sombras resaltan las complejidades y matices emocionales que están siempre presentes en el viaje de la compañía de danza. Queremos que los colores no solo sean visuales, sino que también se sientan naturales y en sintonía con la historia de nuestros personajes.
«Mapa a Pandataria» es nuestra manera de llevar al espectador a un viaje inmersivo y emotivo. Esperamos que disfruten de la experiencia emocional y visual de este documental único.
¡Nos vemos en las salas!
21 PARAÍSO: NUESTRO COLOR EN 21 PLANOS SECUENCIA
Una historia atípica en un entorno idílico.
‘21 Paraíso’ se despliega como la representación visual de una casa en llamas, contando la historia de una pareja en una zona rural que, en plena era moderna, construye su vida alrededor del arriesgado terreno de OnlyFans, entrelazando esta trama con su libertad corporal y emocional. La magia de la interpretación cobra vida gracias al extraordinario trabajo de María Lázaro y Fernando Barona dirigidos por Néstor Ruiz Medina.
Con 21 planos secuencia y una cámara sin video asistencia, que requiere una compenetración entre el Director de Fotografía, Marino Pardo (Folelé – Cruz Cafuné, Quevedo – Donde Quiero Estar) y Nestor Ruiz Medina, basada en la confianza mutua ya que el director no podía visualizar en set lo que se estaba grabando, teniendo como única referencia su propia visión de la interpretación de los actores y una comunicación con el Director de Fotografía.
Así arrancaron con esta propuesta el comienzo de su incursión en el mundo del largometraje de ficción. La película, se presenta para nosotros como una firme candidata a la mejor Dirección Novel, ya reconocida con la mención especial a la mejor Ópera Prima en el Festival rec
Detrás de las cámaras: la crudeza de un filme complejo.
La imperfección y la impureza se engranan con la crudeza del proyecto, que aspira a ser tan orgánico y realista como sea posible. La decisión de no repetir tomas busca maximizar el naturalismo, llevando a intensos ensayos para establecer una conexión genuina entre la cámara y los actores.
La iluminación, totalmente natural, añade otro nivel de complejidad. Solo algunos interiores nocturnos fueron reforzados para resaltar ciertos detalles, mientras que el resto de la película se iluminó de manera diegética. Esta elección exigía una meticulosa planificación y la identificación precisa de espacios y momentos de rodaje. Lo que no ha restado un aura de preciosismo que se mantiene de principio a fin, dando lugar a una poética visual cruda y hermosa, entre lo observacional y lo íntimo, entre la primera y la tercera persona.
En términos de material, estética y color, los exteriores diurnos son suaves, cálidos y vibrantes, representando los momentos más optimistas de la película. Aquí, la conexión con el entorno y la naturaleza se entrelaza con la belleza de la relación, incluso cuando las grietas en la misma se hacen evidentes y los personajes se enfrentan a su propia mutación y por ende, al viraje de su relación, rodeados de parajes y encuadres sobrecogedores.
Contrastando con estos momentos brillantes, la película se sumerge en exteriores nocturnos, horas brujas, amaneceres y anocheceres, explorando el ocaso de la relación y la introspección visual. Estos elementos añaden capas de dureza y soledad sin renunciar a una estética hermosa. Son momentos en los que ya hay poco que decir y simplemente mucho dolor que procesar.
En cuanto a los datos técnicos, la película fue rodada en 16 mm con una SR2 y una óptica Angenieux Zoom 12-120 de montura bayoneta. El negativo KODAK 250D y 500T fue escaneado en 2K en Roma por Augustus Color, resaltando la especial importancia de este proceso para nosotros. La elección del negativo y la cámara no solo definió la estética visual, sino que también presentó desafíos únicos que el equipo de foto y postproducción abordó con maestría, logrando una cohesión visual que resalta la complejidad emocional de la narrativa.
Un futuro prometedor que no nos deja indiferentes.
Al equipo, cada uno de vosotros es una pieza invaluable en este rompecabezas creativo. Vuestra pasión y dedicación han sido la fuerza impulsora detrás de cada escena, y el resultado final es testimonio de vuestro compromiso con la excelencia. Sigamos soñando, creando y explorando nuevas fronteras. El futuro nos espera con infinitas posibilidades, y juntos, somos capaces de tejer historias que trascienden al tiempo.
Con cariño y gratitud,
Gradepunk.
TREGUA(S): DE PRINCIPIO A FIN
Un recorrido a golpe de festival
“Una anti-historia de amor donde los enamorados son los infieles, los que engañan. Aquellos que nunca querríamos ser y, sin embargo, somos más veces de las que nos gustaría reconocer.” Así define Mario Hernández su última película: TREGUA(S), un largometraje que, si bien se presentó en el Festival de Málaga, acabó arrasando en Ibiza y Alicante; y que, bajo mucha expectación aquí en Gradepunk, se estrena el próximo 22 de septiembre en cines de nuestro país, teniendo el 26 de septiembre su primera proyección internacional en el 19th London Spanish Film Festival.
Y es que TREGUA(S) ha llevado a Mario Hernández a acumular éxitos: además de la nominación en el Festival de Málaga a Mejor Película, se llevó a casa 5 premios Astarté en la 6.ª edición del Festival de Ibiza IBICINE(Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz para Bruna Cusí, Mejor Actor para Salva Reina y Mejor Fotografía para Alex Bokhari), y su paso por Alicante, durante su 20ª edición, culminó llevándose la Tesela de Oro a Mejor Película y dos Teselas de Plata a Mejor Guion y a Mejor Actriz para Bruna Cusí.
Producida por Godello Entertainment,Producciones La Cochera, Sierra Gador Producciones y The Lobby, TREGUA(S) está protagonizada por la ganadora del Premio Goya Bruna Cusí(“Verano 1993”, “Incierta gloria”, “Mía y Moi”) y Salva Reina (“La isla mínima”, Premio Málaga Cinema al Mejor Actor; “La lista de los deseos”, “321 Días en Míchigan”, Premio Biznaga de Plata al Mejor Actor de Reparto). Les acompañan Abril Montilla (“30 monedas”), José Fernández Valencia y Marta Méndez. Rodada entre Málaga y Madrid, en octubre de 2022, la película está escrita y dirigida por Mario Hernández. Cuenta con Alex Bokhari como director de fotografía (“The Crown”, “Westworld”), Carlos Bonmatí se encarga del sonido (Premio Goya por “Obaba”), Óscar Sempere es el director de arte (“The Crown”, “Éxodus: Dioses y reyes”), Concha Campins es la directora de producción (“Black Beach”), Beatriz Millas se ocupa del maquillaje, y Menchu Pizarro del vestuario. Carlota Amor, Juan José Amor, Salva Reina y Fede Pajaro son los productores ejecutivos. Nuestro Dani Aránega firma el montaje junto a Beatriz Matos como ayudante de edición, y de nuevo, Dani Aránega junto a Ana Martínez firman este largometraje como coloristas; finalmente, Sebastián Martín como grafista, buscando el lado más punki en todos los rincones, realiza el diseño de créditos.
Y es que todo lo bueno que podemos decir de «Tregua(s)», se queda corto. Solo dar las gracias a los que apostáis por el lado más punk del color, por dejarnos hacer y trabajar en proyectos a los que acabamos queriendo tanto. Y sobre todo, por darnos tanta libertad a la hora de aportar nuestra visión.
Nuestro papel en TREGUA(S)
El montaje de TREGUA(S) pasó por muchos ojos antes de llegar a la versión final. Sin embargo, no por ello se hizo especialmente cuesta arriba. TREGUA(S) tiene como punto fuerte que se sostiene en una buena interpretación por ambos protagonistas y centrándose en el diálogo como hilo conductor de la trama, por encima de montajes más dinámicos que necesitan apoyarse en la acción pura y dura. En este caso, el ritmo lo marcan las emociones y sentimientos de los personajes.
Es por eso, por lo que hay planos cuya duración era “inamovible”, porque es necesario que los personajes nos narren, a su tiempo y en su momento, los giros de guion que van aconteciendo. Mario en esto, fue especialmente incidente: la historia merece ser contada con el tiempo que necesita ser entendida. Y precisamente por eso, TREGUA(S) es tan especial.
Sobre el color de TREGUA(S), poco podemos decir, es a lo que nos dedicamos y amamos. Álex Bokhari, como director de Fotografía es un profesional decidido y claro, que transmite sus ideas con eficacia y mimo, haciendo que nos encontremos muy cómodos en sala, en un balance entre su claridad y nuestra propuesta.
La intención del color estaba muy clara desde el rodaje, lo que nos ayudó a tener un punto de partida sobre el que asentar nuestros pasos hacia el resultado final. Aunque TREGUA(S) pretenda manejar la apariencia de una comedia romántica, propone un concepto del amor bastante inusual, por lo que el color no podía corresponderse con el look habitual que esperamos ver en este género. Por este motivo, se trabajó en un look más formal, huyendo de espacios demasiado luminosos y de altas saturaciones, pero sin perder la calidez – tanto en sentido literal como figurado – de la película.
Una película con mucho corazón en nuestro estudio
En Gradepunk sentimos que TREGUA(S) tiene, de alguna manera, parte de nuestra alma en cada escena; muchas horas sentados con el director, con su ingenio y naturaleza vivaz, explorando posibilidades, releyendo la historia una y otra vez, y trabajando codo con codo.
Porque quizá de esto va el cine: de contar historias junto a compañeros, amigos… Y sobre todo de vivir las historias, de sentirlas y hacerlas tuyas; para que luego el espectador pueda vivirlas y disfrutarlas tanto como tú en el proceso.
TREGUA(S) ha sido un viaje increíble. Y por eso tenemos ganas de recordar ese viaje viviéndola, a partir del 22 de septiembre, en cines.
¡Nos vemos en la oscuridad!
ASEDIO, LA PELÍCULA DE MIGUEL ANGEL VIVAS SE COLOREA EN GRADEPUNK
COLOREAMOS ASEDIO, LA PELÍCULA PROTAGONIZADA POR NATALIA DE MOLINA
Este proyecto es para nosotros algo muy importante. Muchas horas de dedicación, mucho color y mucho tiempo sin poder decir nada.
Asedio, la nueva película del gran Miguel Ángel Vivas, producida por Enrique López Lavigne para Apache Films junto a Sony Pictures y con la enorme Natalia de Molina de protagonista.
Se nos ponen los pelos de punta nombrando a este elenco y si encima os contamos, que en Gradepunk nos hemos encargado de darle color… Que grande trabajar en proyectos así.
PRESENTACIÓN FUERA DE CONCURSO EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA
Una maravilla de película que se presentó en el pasado Festival de Málaga con un éxito rotundo y que tendrá su estreno este 5 de mayo de 2023 en cines.
La ganadora de dos Premios Goya, y otras tres veces nominada, Natalia de Molina se mete en la piel de Dani, una mujer que sobrevive en un entorno de hombres y que se rebelará contra un sistema corrupto acompañada de la actriz Bella Agossou en el papel de Nasha. El resto del reparto está encabezado por el debutante Óscar Eribo, y los actores Francisco Reyes, Fran Cantos, Chani Martín, Jorge Kent, Efraín Rodríguez, Lucas Nabor, Federico Pérez Rey, Luis Hacha, Fernando Valdivielso, Karlos Aurrekoetxea y Alejandro Casaseca.
La protagonista, Dani, lo tiene muy claro. Ser español es antetodo, servir a su país, en su caso como antidisturbios, honrar su bandera. Hacer cumplir la Ley. Siempre pensó que ser policía era una forma de proteger a la gente, de hacer justicia. Pero durante un desahucio en un barrio conflictivo de Madrid, Dani se encontrará con un dinero escondido, una trama de corrupción policial y un crimen que harán que tenga que huir por su vida en un territorio hostil, en el que no conoce el idioma, no es bien recibida y su autoridad no vale nada. Sólo podrá contar con la ayuda de Nasha, una joven nigeriana a la que acaba de desahuciar, y su hijo Little. Y será entonces cuando se dé cuenta de que si el sistema para el que trabaja no es la solución, quizás siempre fue parte del problema.
Marta Medina (guionista y crítica cinematográfica) se encarga del guion de Asedio a partir de una idea original de Miguel Ángel Vivas y José Rodríguez e inspirada en hechos reales
UN TRABAJO CON CIERTA COMPLICACIÓN
Unas cuantas semanas compartiendo sala con nuestro amigo Rafa Reparaz y el grande de Miguel Ángel VIvas, ¡que más podemos pedir! Fueron momentos de trabajo minucioso y duro ya que como bien sabemos los planos secuencia tienen su complicación y en esta cinta es un recurso que no cesa. Como coloristas podemos decir que el trabajo impecable de Rafa solo nos ayuda a centrarnos en lo que de verdad importa que esa mejorar y darle ese color especial que necesita.
A lo que el trabajo puro de color se refiere la cosa estuvo graciosa. El rodaje se planteó hacerlo en espacio de color 709 para luego posteriormente trabajar en DCI-P3, para ello el director de fotografía utilizó LUTs de rodaje especificas para 709. El problema vino cuando después de rodar y entrar el estudio de vfx se decidió trabajar en ACES, resultado, que¡e todas las LUTs utilizadas en rodaje no valían para trabajar en ACES en Davinci Resolve, así que se tuvo que hacer un trabajo manual para emular el look conseguido en rodaje con las LUTs 709 y crearlo en ACES. Fue un trabajo duro pero al final gratificante ya que a partir de aquí teníamos el control de todo.
POSIBLEMENTE LA ÚLTIMA PELÍCULA DE APACHE FILMS
Asedio es una película de Apache Films en asociación con Sony Pictures International Productions y coproducida por México City Project (México), con la participación de RTVE y Prime Video, junto a un equipo de gente increíble que han puesto su granito de arena a que esta maravilla vea la luz.
Según Enrique Lopez Lavigne en una reciente entrevista deja entrever que la etapa de Apache Films ha terminado, ahora esta centrado en otro proyecto en exclusiva con El Estudio.
Gracias a todos los que seguís apostando por el lado punk del color, por atreveros a trabajar con nosotros y confiar en cada uno de vuestros proyectos. Seguimos sumando, seguimos coloreando.
