FRIEDREICH & I: CUANDO EL MONSTRUO NO ES IMAGINARIO (Y TIENE MUCHO QUE CONTAR)
Una historia que empieza con juegos… y termina con un diagnóstico
María tiene un amigo peludo, grande y curioso al que llama Fried. Podría parecer uno de esos compañeros imaginarios que todos tuvimos de pequeños… pero este tiene nombre y apellido: ataxia de Friedreich. La campaña Friedreich & I, creada por VML The Cocktail para Biogen, transforma esta enfermedad rara en una historia visualmente potente y emocionalmente sincera.
Dirigido por Pablo Arrebay producido por La Boutique77, el spot te lleva de la mano por el mundo de María con una estética suave, casi de cuento. El color grading acompaña la pieza con sutileza: tonos cálidos y dulces al principio, que se enfrían a medida que descubrimos la cara real del “monstruo”. Un giro que se siente, pero no grita.
Cuando una campaña va más allá del vídeo
El proyecto no se queda solo en el spot. Hay un peluche (sí, de Fried), un libro infantil ilustrado y materiales educativos para ayudar a familias y docentes a identificar la enfermedad a tiempo. Una campaña pensada con mimo, que además ha sido reconocida en festivales como Clio Health o D&AD.
Lo mejor: pone nombre y cara a algo que suele pasar desapercibido, dándole visibilidad a una condición que afecta a más niños de los que imaginamos.
¿Tu proyecto también tiene una historia potente detrás?
En Gradepunk sabemos cómo darle el color justo, el tono exacto y la emoción necesaria. Si tienes algo grande entre manos, nos encantará ayudarte a contarlo como se merece.
¡Nos vemos en las salas!
THE (OTHER) 700 CLUB: UNA REFLEXIÓN SOBRE EL TRABAJO EN LA SOCIEDAD ACTUAL
«The (OTHER) 700 Club», un documental dirigido por Juan Blanco García, nos sumerge en la realidad cotidiana de un grupo de repartidores en Brooklyn, Nueva York. A través de una narrativa poética y reflexiva, la película explora las experiencias, creencias y motivaciones de estos trabajadores mientras se enfrentan a las exigencias del sistema capitalista.
En la intersección de Broadway y Thornton Street, se forma una comunidad no oficial donde los repartidores se reúnen entre encargos para compartir un breve descanso. La película nos abre las puertas a este microcosmos, permitiéndonos escuchar sus conversaciones y observar sus interacciones.
Lo visual en THE (OTHER) 700 CLUB
La fotografía de Carlos Cuenca es una parte esencial de la película, y se nota en cada plano. Sus imágenes son luminosas y llenas de vida. Además, sus encuadres son dinámicos y llenos de energía. La cámara nunca se queda quieta, lo que refleja el ritmo frenético de la vida de los repartidores. Este cortometraje está lleno de colores vibrantes, que dan vida a la ciudad de Nueva York y a sus habitantes. No es solo una cuestión de estética, sino también de significado. Los colores ayudan a crear una atmósfera vibrante y atractiva que te envuelve y te transporta a la historia.
En definitiva, la fotografía de «The (OTHER) 700 Club» es un elemento esencial que contribuye a crear una experiencia visual única e inolvidable para el espectador.
Mucho pero que mucho reconocimiento
«The (OTHER) 700 Club» ha sido reconocido en diversos festivales de cine internacionales, incluyendo el Festival Internacional de Cine de San Luis, DOC NYC, y el Festival Internacional de Cine de Tirana. Entre sus premios más destacados se encuentran el Premio al Mejor Cortometraje Documental en el IBIZACINEFEST y el Premio a la Mejor Cinematografía en el Centre Film Festival.
Este documental no solo nos ofrece una mirada íntima a la vida de los repartidores, sino que también nos invita a reflexionar sobre la naturaleza del trabajo en la sociedad actual. Una obra poética y necesaria que nos recuerda la importancia de la solidaridad y la lucha por un futuro más justo.
¡Nos vemos en las salas!
IKEA “PROUDLY SECOND BEST”: UNA CAMPAÑA PREMIADA QUE CELEBRA LA VIDA FAMILIAR
¿Quién dijo que ser el segundo es malo? La campaña de Al-Futtaim Ikea en colaboración con DAVID Madrid y INGO Hamburg ha llegado pisando fuerte metiéndose al público y a la crítica en el bolsillo con una propuesta honesta y realista que se aleja de la perfección inalcanzable que a menudo se muestra en la publicidad, mostrando el papel que Ikea cumple en la vida cotidiana del hogar a través de una propuesta llena de autenticidad y sensibilidad.
El concepto detrás de «Proudly Second Best»
La esencia de la campaña no va de ser la primera opción en la vida de los más peques de la casa pues, sus padres, abuelos y seres queridos siempre serán los primeros. Sin embargo, Ikea se enorgullece de ser el «segundo mejor» a través de la idea de que sus productos facilitan y enriquecen la vida familiar, creando un ambiente donde las conexiones y los momentos importantes entre padres e hijos tienen lugar.
El plato fuerte de la campaña es su mensaje. Al reconocer que los muebles no son el centro de la vida familiar, Ikea humaniza su marca y se conecta con los consumidores a un nivel más profundo. La campaña transmite la idea de que Ikea entiende y respeta el valor de las relaciones humanas y los momentos compartidos, posicionando sus productos como facilitadores de esas situaciones.
Ejecución de la campaña
La campaña se lanzó a lo grande: anuncios de televisión, redes sociales y contenido digital. Todo mostrando escenas cotidianas en hogares reales, con niños jugando, comiendo y aprendiendo, rodeados de productos de Ikea que facilitan estas actividades como la trona “Antilop”, el taburete “Bolmen” o la cuna “Smagöra”, que los niños dejan de lado a favor de la compañía de sus padres. Las historias presentadas son entrañables y realistas, destacando la importancia de los muebles que se integran perfectamente en la vida familiar sin tratar de robar el protagonismo.
El proceso de color
El proceso de color fue bastante sencillo, ya que desde dirección y agencia se buscaba la naturalidad tanto de los productos como de las acciones. Un look especial con las luces altas muy limpias intentando no generar dominantes para poder resaltar el blanco tan especial de Ikea y sus productos.
Como casi siempre fue un trabajo en equipo que es como mejor resultados se generan. El color fue planteado desde rodaje por medio de la directora Michelle Casis y en la fotografía de Andy Pulido y luego trabajado en sala con las agencias implicadas DAVID Madrid y INGO Hamburg.
Impacto y recepción: arrasando en festivales
La campaña ha sido un éxito rotundo. Los consumidores y críticos han elogiado a Ikea por su enfoque honesto y auténtico, un soplo de aire fresco en un mundo publicitario saturado de perfección y aspiraciones irreales, motivo por el que ha sido reconocida ampliamente en la industria publicitaria, obteniendo numerosos premios.
En los premios Cannes Lions de 2023, la campaña ganó varios galardones, incluyendo un oro en la categoría de Film, y múltiples platas en las categorías de Film, Print & Publishing, y Outdoor. En los London International Awards (LIA) de 2023, la campaña obtuvo un Oro en TV/Cinema y varias platas en Online Film, Print, Billboard y Poster. Además, «Proudly Second Best» fue galardonada en El Sol 2023 con el Grand Prix en Print & Publishing y un oro en la misma categoría. En este 2024 la campaña se ha llevado también el oro en la categoría de Out of Home en el One Show y en la categoría Print de los Clio Awards.
De esta forma, «Proudly Second Best» se consagra como algo más que una campaña publicitaria: una declaración de principios sobre lo que realmente importa en la vida familiar. En Gradepunk estamos más que orgullosos de haber podido poner nuestro granito de color a una propuesta tan única.
UN VIAJE INFINITO: LA LUCHA CONTRA EL CAMBIO CLIMÁTICO
El documental «Un Viaje Infinito», presentado por ACCIONA y Homeward Bound y producido por Tsunami Film House, narra la experiencia de 188 mujeres de 25 países que viajaron a la Antártida en 2023 con un objetivo común: luchar contra el cambio climático. La cinta, de unos 40 minutos de duración, combina imágenes impactantes del continente blanco con entrevistas a las participantes, quienes comparten sus experiencias, desafíos y descubrimientos en áreas como las energías renovables, la inteligencia artificial, la conservación de los océanos y el liderazgo femenino.
Nuestra aportación a UN VIAJE INFINITO
El color del documental juega un papel fundamental en la creación de una atmósfera que envuelve al espectador y lo transporta a la Antártida. Los colores fríos y tenues predominan en las escenas que muestran la vastedad del continente helado, transmitiendo una sensación de paz y a la vez de inmensidad. En contraste, las escenas que narran la experiencia de las mujeres en el barco y en sus actividades científicas se caracterizan por laintensidad del rojo y una temperatura un poco más cálida, que reflejan la energía y el entusiasmo de las participantes.
En Gradepunk estamos muy orgullosos de haber podido trabajar mano a mano con Juan Gama de Cossío, director de la pieza. Gracias a él hemos podido aportar un toque visual naturalista pero expresivo, aportando realismo y emoción a cada escena.
Por qué es un documental tan necesario
«Un Viaje Infinito» es un documental inspirador que no solo destaca la importancia de la lucha contra el cambio climático, sino que también pone de relieve el papel fundamental que las mujeres pueden y deben jugar en este desafío global. El documental es una herramienta valiosa para educar e inspirar a las nuevas generaciones, especialmente a las niñas y jóvenes, para que se interesen por las áreas STEMM y se conviertan en agentes de cambio.
«Un Viaje Infinito» es más que un documental, es un legado para el futuro. Es un testimonio del poder de la colaboración y la acción colectiva para hacer frente a los grandes retos de la humanidad. El documental es una invitación a la reflexión y a la acción, un llamado a unirnos en la lucha por un planeta más sostenible y equitativo.
¡Nos vemos en las salas!
MAPA A PANDATARIA: DANZA Y ESPECTÁCULO
En Gradepunk estamos encantados de haber podido participar y contribuir al proyecto documental «Mapa a Pandataria», una emocionante producción de CaixaForum+, Cultura Inquieta, Los Dedae y Cayetana Guillen Cuervo. Este documental original, que se ha estrenado en exclusiva el 1 de febrero, sigue el proceso creativo y los desafíos de la compañía de danza independiente «Los Dedae» mientras se enfrentan al monumental reto de estrenar su espectáculo «Pandataria» en el teatro romano de Mérida.
Detras de las cámaras: una cárcel en forma de isla convertida en diversidad y feminismo.
La isla de Pandataria, situada en el archipiélago de las Pontinas en el mar Tirreno, es el escenario histórico de destierros y encarcelamientos, y ahora se convierte en la inspiración para una obra que reivindica la diversidad y el feminismo. El documental narra la odisea de la compañía liderada por los destacados protagonistas Cayetana Guillén-Cuervo, Chevi Muraday y Elio Toffana, bajo la dirección y coreografía de Muraday.
Javi Clarkedirigiendo este documental promete ofrecer una mirada íntima y emocional al proceso creativo, mostrando los obstáculos y momentos de superación de la compañía. Trabajo que se ve realzado por la iluminación teatral de Nicolas Fischtel y la eficaz edición de Sara G.F. Muriel, Carlo Alonso y Aitor Carballo.
Nuestro granito de arena en MAPA A PANDATARIA.
Estamos muy orgullosos de haber aportado el toque visual distintivo al proyecto trabajando codo a codo junto a David Palacios, director de fotografía de la pieza, y Javi Clarke, director de “Mapa a Pandataria”. Gracias a ellos hemos podido experimentar con el color y las texturas para añadir profundidad y emoción a cada escena, algo que aquí nos gusta mucho.
En cuanto al color, optamos por una paleta de colores vivos y resonantes para dar vida a la narrativa. Los rojos intensos y profundos se convierten en emociones palpables, inyectando vitalidad y energía en cada escena. Asimismo los juegos de luces y sombras resaltan las complejidades y matices emocionales que están siempre presentes en el viaje de la compañía de danza. Queremos que los colores no solo sean visuales, sino que también se sientan naturales y en sintonía con la historia de nuestros personajes.
«Mapa a Pandataria» es nuestra manera de llevar al espectador a un viaje inmersivo y emotivo. Esperamos que disfruten de la experiencia emocional y visual de este documental único.
¡Nos vemos en las salas!
MATAR AL PRESIDENTE : REVELANDO VERDADES EN MOVISTAR+
El 5 de diciembre marcó el estreno de ‘Matar al Presidente’, una serie documental original deMovistar Plus+que se sumerge en los oscuros misterios que rodean el asesinato del Almirante Luis Carrero Blanco hace 50 años, un magnicidio que dejó huellas imborrables en la historia reciente de España. La serie, dirigida por Eulogio Romero, es una colaboración entre Movistar Plus+ y 100 Balas (The Mediapro Studio), y promete diseccionar la versión oficial plagada de errores, presentando diversas teorías para que los espectadores construyan sus propias conclusiones.
El proyecto.
Este proyecto, más allá de su relevancia histórica, destaca por ser la primera vez que se autoriza el acceso ilimitado al contenido del sumario del asesinato de Carrero Blanco.Este acceso exclusivo proporciona una oportunidad única para explorar a fondo los detalles de un caso que ha sido objeto de especulación y teorías conspirativas durante décadas. La serie, que combina elementos de thriller de espionaje con entrevistas, escenas ficcionadas y material de archivo inédito, se divide en tres entregas que se lanzarán de manera escalonada los días 5, 12 y 19 de diciembre.
La anatomía de este magnicidio se presenta como un rompecabezas complejo que ha alimentado teorías diversas a lo largo de cinco décadas. El 20 de diciembre de 1973, un atentado de la organización terrorista ETA terminó con la vida del presidente del gobierno español y colaborador cercano de Francisco Franco. Este hecho, lejos de ser solo un episodio trágico, tuvo consecuencias determinantes en la Transición Democrática de España.
El desafío de Eulogio Romero.
Eulogio Romero, su director, comparte su pasión por desafiar las versiones oficiales de la historia reciente, que acabó por llevarle a dirigir ‘Matar al Presidente’. En una entrevista, confiesa que la serie nació de su interés en la Transición, una época silenciada que considera crucial para entender la España contemporánea.
La complejidad del caso y las numerosas incógnitas que lo rodean fueron los elementos que atrajeron a Romero. A través de la serie, busca arrojar luz sobre los misterios ocultos del asesinato de Carrero Blanco, explorando tanto las versiones oficiales como las teorías alternativas que han surgido a lo largo de los años.
El acceso sin restricciones al sumario después de tanto tiempo fue un desafío para todo el equipo, pero también una oportunidad única para obtener perspectivas de testigos clave y ex miembros del CESID, el antiguo servicio de inteligencia español. La serie aborda las dificultades enfrentadas durante la investigación y la reticencia de algunas personas, incluso del comando Txikía de ETA, a hablar después de tanto tiempo.
‘Matar al Presidente’ no solo es un análisis forense de un magnicidio, sino un llamado a la sociedad para enfrentar su pasado y comprender las complejidades de la historia reciente de España. Eulogio Romero destaca la importancia de este conocimiento en una sociedad adulta y preparada para enfrentar la verdad, desafiando así cualquier sombra de secreto que haya persistido durante décadas.
Nuestra versión de los hechos.
Este viaje al pasado, guiado por la paleta cinematográfica de Eulogio Romero, promete ser una experiencia fascinante para los espectadores, llevándolos más allá de los hechos conocidos y sumergiéndolos en la intrincada red de conspiraciones y verdades ocultas que rodean el asesinato de Carrero Blanco. ‘Matar al Presidente’ no solo es una serie documental; es un recordatorio de que el color de la verdad es más vibrante cuando se enfrenta con valentía y se revela sin reservas.
En Gradepunk, como siempre, nos sentimos orgullosos de formar parte de proyectos tan peculiares, que suponen un auténtico reto en cuanto a mezclar espacios y ambientes, pasado, presente y por qué no, un ánimo a futuro que mantenga en vilo durante todo el documental. Gracias de nuevo a todo el equipo y en especial a Eulogio, cuya visión nos ha acompañado en cada una de las sesiones aportándonos ese look que tanto nos enamora.
¡Nos vemos en las salas!
SUPERGARCÍA, DE MOVISTAR+: UN COLOR DIFÍCIL DE NO COMENTAR
PIONERO EN LA VIDA Y EN NUESTRAS SALAS
Según algunos, “el mayor cabr… de la historia”. Según otros, un pionero, atrevido, que cambió los parámetros de un periodismo deportivo vencido por la costumbre y la falta de carácter. Ese es Supergarcía.
El legendario periodista deportivo José María García, regresa a la pantalla de la mano de Movistar+ y Alberto Ortega y Charlie Arnaiz de Dadá Films & Entertainment (los mismos creadores de Raphaelismo o Anatomía de un Dandy) en un documental de tres capítulos que narra su recorrido profesional, a la par que las vicisitudes de su vida íntima. Una carrera de etapas que, como su propio protagonista, promete no dejar a nadie indiferente.
SUPERGARCÍA, UNA VUELTA A LA RADIO COMO LA VIDA MISMA
Con la banda sonora de palabras tan suyas como ‘abrazafarolas’, ‘chupópteros’ o ‘correveidiles’; Movistar+ nos rememora la vida de un periodista pionero en una franja nunca antes vista, un periodista deportivo capaz de atraer al espectador y al oyente, con coraje, como si él mismo fuera quien chutase el balón o diera una pedalada más en la etapa para subir el puerto de Hoya de Mora de la Vuelta a España.
Debido quizá a ese arroje, se labró durante cuarenta años de profesión un conglomerado de admiradores como de enemigos; detractores y fanáticos que se aficionaron a ciertos deportes por la forma única en la cual «Supergarcía» transmitía aquello que pasaba delante de sus ojos. Y sí, tras esos cuarenta años de profesión, dejó la radio en 2002 sin despedirse de nadie, un silencio para sus oyentes que el documental pretende arrancar de raíz.
A través de entrevistas exclusivas, imágenes de archivo y testimonios de personas cercanas él, este documental ofrece una visión íntima y reveladora del hombre detrás del micrófono. Tres intensos capítulos que seguro darán que hablar.
El documental cuenta con en la dirección con los nominados al Goya Charlie Arnaiz y Alberto Ortega de Dadá Films & Entertainment, responsables de Raphaelismo (2022) y Anatomía de un Dandy (2020) que, junto a su equipo, han logrado construir un relato sólido y complejo, a caballo entre lo anecdótico, lo histórico y lo emotivo.
NUESTRA VISIÓN DE SUPERGARCIA
Desde Gradepunk, este tipo de proyectos son complejos. En Supergarcía contamos no solo con el hecho de tener que colorear imágenes de archivo, sino que, en muchos casos, debemos recuperar información de estas imágenes que se ha perdido parcialmente. Detalles en las caras de los protagonistas que se deshacen con el paso de los años; a la par que trabajar con señales muy débiles que aguantan pocos ajustes.
Un trabajo mano a mano con el director de fotografia Willy Jauregui el cual utilizo dos tipos de Sony, Fx9/ Fx6 con unas lentes Tokina Vista. Podemos decir que los dos modelos de Sony estaban bastante equilibradas lo cual nos facilito mucho el trabajo de igualado.
En la parte de ficción queríamos buscar una estetica bastante similar al look americano de los 90’s conocido como Blockbuster, tintando un poco las sombras y altas a tonos frios manteniendo cálidos en medios aguantado los tonos de pieles. Implementamos un poco de textura añadiendo un poco de grano de 16mm ajustándolo manualmente para poder generar un poco de dimensionalidad en el grano jugando con el tamaño de este. En la parte puramente de entrevista se jugo con un juego muy parecido enfriando bajas pero manteniendo el cálido en altas y medios pero sin perder nunca la naturalidad, para ello partimos de una transformación de gamma a 709 dependiendo del tipo de Sony.
Por otra parte, igualar los diferentes espacios donde se desarrollan los tres capítulos y darles ese toque cinematográfico que tanto nos gusta, muchas veces tampoco es una tarea sencilla. Intentamos trabajar, al igual que los guionistas componen fragmentos de la historia, ensamblando fragmentos de rodajes, de vídeos antiguos y de intención narrativa para que todo cobre sentido y pertenezca al mismo universo visual.
Sin duda, un emocionante viaje lleno de nostalgia y revelaciones para todos los aficionados al deporte y al periodismo. Pero también, ¿y por qué no? A los aficionados al documental, a la historia y a las personas. Porque si algo tiene este documental son personas, como tú y como yo, que se atrevieron a entrar por una puerta sin pedir perdón ni permiso, a trabajar de manera diferente y a decir constantemente en la vida cuando se le vetaba algo: «¿cómo que no?»
Gracias por seguir apostando por el color, por el lado punk del color. No dejéis nunca de perseguir vuestras metas.
«MAMA» GOYA AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
MAMA, de PABLO DE LA CHICA
En Gradepunk esperamos que hayáis pasado un fin de semana la mitad de bueno que nosotros. El sábado nos llevamos la gran alegría de ver cómo Mama se alzaba con el Goya a mejor corto documental, todo un orgullo haber podido participar en este proyecto. Enhorabuena a Pablo y a todo el equipo implicado!
Mama nos cuenta la historia de Mama Zawadi, una mujer que ha sufrido agresiones sexuales y a raíz de su trabajo cuidando bebés chimpancés en el Santuario de Rehabilitación de primates de Lwiro logra seguir adelante.
El director y guionista de este film es nuestro gran amigo Pablo de la Chica, formado en Arte Dramático y dirección entre Madrid y Toronto. En 2014 fundó su propia productora, Salon Indien Films, donde ha realizado proyectos bastante sonados como son “Manchester, Keeps on Dancing”, “Indestructible, el alma de la salsa”, “Del otro lado” y el cortometraje “Blue & Malone: Casos Imposibles” ganador a mejor corto de animación en los premios Goya 2021.
Por otra parte, como director de fotografía tenemos a Cesc Nogueras, de Barcelona, el cual cuenta con muchos trabajos publicitarios y ha recogido varios premios por el documental “56” (2015).
SANTUARIO EN UNO DE LOS LUGARES MÁS CONFLICTIVOS DEL MUNDO
El Centro de Rehabilitación de primates de Lwiro fue creado en 2003, pero en 2006 contó con grandes soportes a nivel técnico y económico gracias a la ONG Coopera, dirigida por Lorena Aguirre, la cuál ayudó mucho a Pablo de la Chica en la realización e historia de este corto documental.
Este Santuario se encuentra en el interior del Parque Nacional Kahuzi-Biega, uno de los lugares más violentos y conflictivos del mundo que además estaba atravesando un brote de ébola durante la realización del documental. Pese a los incontables peligros que podían encontrar en aquella zona, Pablo decidió que quería seguir adelante en este proyecto para que la historia de Mama Zawadi pudiese llegar hasta nosotros.
LAS HERIDAS QUE SANAN
Mama relata la historia de Mama Zawadi, una mujer que fue secuestrada junto a una amiga suya por un grupo rebelde que las mantuvo cautivas durante tres meses y las utilizaban como “esclavas sexuales” hasta que asesinaron a su amiga de un disparo en la cabeza y Mama consiguió escapar. Cuando Zwadi volvió a la que era su casa junto a su familia, ésta creyó que era un fantasma ya que su propia familia la daba por muerta, además también llegó embarazada, lo cual fue muy duro.
Más tarde, los rebeldes regresaron y sufrió una violación en masa por once hombres mientras su padre estaba presente. Más tarde, volvió a sufrir otra violación por cinco hombres mientras conducía una moto de camino al trabajo. Tras todos estos hechos, Zawadi ya había hablado con algunas organizaciones y ONG’s y en este momento, la ONG Coopera ya la conocía. Lorena Aguirre junto a otra amiga hicieron un donativo para construirle una casa mientras Zawadi hacía de madre de los chimpancés que llegaban en condiciones horribles debido al tráfico ilegal de especies. Como bien relata Lorena “es una historia de amor de cómo los chimpancés que llegan en horribles condiciones y alguien que ha sufrido mucho la crueldad humana, al final, se juntan y, a través del amor, sanan”.
PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS
Este corto se grabó entre República Democrática del Congo durante 24 días y en Madrid, y se trata del primer corto español en formar parte de la serie “The New Yorker Documentary”, que ha ganado ya una gran cantidad de premios. El más reciente ha sido el Goya a mejor corto documental. Entre ellos podemos destacar, el de Mejor cortometraje Internacional en el Festival de Cine de Arganda, el premio RTVE al mejor Cortometraje Iberoamericano en el Festival Internacional de Cine de Almería 2021, Mejor Cortometraje Documental en el Festival de Cine Madrid Integra 7arte 2021, Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival Cinema Documental de MON DOC 2021 y Mejor Cortometraje documental Internacional en el Galway Film Fleadh en Irlanda. Asimismo, desde hace escasos días (7 Enero), ya podemos encontrar el documental en la página web oficial de RTVE para todo aquel que quiera verlo.
